O TANQUE DE GUERRA / DER TIGER (2025) - ALEMANHA

 

UM AVISO SOBRE A RESPONSABILIDADE INDIVIDUAL

1943. Em meio à retirada alemã na Frente Oriental, um moderno tanque de guerra nazista Tiger se encontra no cerco de Stalingrado em uma situação que rapidamente foge ao controle e transforma a missão em um desastre iminente. Após escapar milagrosamente de um ataque aéreo em uma ponte sob o rio Dnieper, os cinco soldados da tripulação recebem uma nova missão, agora secreta, cujo real objetivo apenas o seu comandante Philip parece conhecer em sua plenitude: atravessar as linhas inimigas, em um território hostil, para localizar um oficial de alta patente que estaria planejando desertar, levando consigo segredos que o comando alemão deseja evitar que caiam em mãos soviéticas a qualquer custo. 

Confinados em um espaço de metal sufocante e isolados em campo inimigo, os soldados começam a presenciar situações inexplicáveis, como a presença de um poderoso blindado adversário que parece estar em seu encalço. A paranoia crescente envolve o grupo enquanto dilemas morais vêm à tona: o desejo de sobrevivência entra em conflito com uma máquina de guerra que se transforma, simultaneamente, em escudo e tumba. O isolamento dentro da blindagem começa a corroer a sanidade do grupo, sugerindo a presença de uma força sobrenatural que parece permear cada quilômetro avançado. 

Produção Alemã, distribuída pela Amazon, Der Tiger (que no Brasil recebeu o título de “O Tanque de Guerra”) pode, à primeira vista,  parecer um filme de guerra confuso. E essa sensação pode ser até certo ponto verdadeira dado ao roteiro que insere um forte componente sobrenatural à trama, utilizando uma grande quantidade de alegorias e pistas que convidam o espectador a decifrar seu enigma. O fato é que, infelizmente, os espectadores mais atentos ou com “anos de estrada” poderão antever a proposta da obra logo no início, o que talvez mitigue o impacto do final, que é mais sugestivo do que explícito. Contudo, como na vida, o encanto não está apenas no destino, mas na jornada, sendo a trajetória desses cinco homens que sustenta o interesse, ao utilizar o realismo fantástico para abordar o trauma profundo da guerra. 

Para um melhor aproveitamento da obra, é necessário dissecar suas analogias. Não me atererei a todos os aspectos, mas aos principais, deixando para quem lê essas linhas o deleite de descobrir outras camadas. Atenção: os três próximos parágrafos contêm spoilers inevitáveis.

A bússola enlouquecida sugere que a realidade geográfica já não se aplica; a aparição espectral do cervo, símbolo de guia espiritual em várias culturas, indica que a tripulação navega por um limbo. A interpretação de que os protagonistas já estão mortos é reforçada pela "combustão espontânea" do temido tanque inimigo SU-100 e pelo fato de terem sobrevivido a situações que seriam fatalmente letais. O Tiger torna-se um caixão de aço navegando pelo purgatório, imagem reforçada quando o veículo submerge nas águas (uma analogia à travessia do Estige, o rio dos mortos na mitologia). A fala da namorada de um dos protagonistas mencionando “espíritos” é o que os roteiristas chamam de foreshadowing (prenúncio). O filme deixa a resposta na cara do público, mas a gente só entende quando junta as peças. A narrativa deixa de ser sobre vencer a batalha e passa a ser sobre aceitar o próprio fim. Esses aspectos já são uma forte sugestão de que a missão possui um caráter metafísico. As transmissões de missas católicas em latim pelo rádio de comunicação, seriam um réquiem para os mortos ou uma liturgia fúnebre para os que ali estão, presos no limbo? 

Há outro momento muito interessante. Philip chega a um vilarejo e encontra um oficial que encurralou pessoas em um celeiro e ateou fogo. Ele observa, questiona, mas um de seus soldados diz que eles não podem interferir, pois são ordens. Talvez a cerne do filme seja essa submissão à autoridade na qual pessoas realizam (ou permitem) atos contrários aos seus princípios em nome de autoridade superior, no caso o Estado nazista. O filme “I Comme Icaro” trata sobre esse tema ao apresentar o "Experimento Milgram".

Para mim, Philip podia ter rejeitado a ordem ou impedido o massacre, mas preferiu apenas assistir assombrado. Esse ato o condenou ao inferno. Essa conexão explica por que o protagonista morreu moralmente ao se tornar um espectador passivo do horror. Ao aceitar que a "autoridade" (o Estado / a Ordem reinante) está acima da sua humanidade, ele abdica da sua alma, tornando-se um agente passivo do mal. O celeiro em chamas parece funcionar como o portal do inferno para eles. O fato de ele estar "assombrado", mas imóvel, é o que transforma o tanque em um caixão. No Direito e na Ética, isso é a "banalidade do mal" de Hannah Arendt em pleno campo de batalha. Indo um pouco mais além, eu poderia pensar que o massacre no vilarejo não é apenas um evento histórico na trama; é o julgamento espiritual do protagonista. O "caixão de aço" (o tanque) é a punição por ter assistido ao fogo sem usar o poder que tinha para apagá-lo. No final, apesar de toda a sua blindagem pesada, o Tiger não consegue protegê-lo da própria consciência. O tanque não está mais cruzando fronteiras geográficas, mas sim navegando pela eternidade de um trauma que não pode ser superado enquanto a culpa não for assumida. O rastro de cinzas deixado pelo tanque é o símbolo de uma geração que, ao escolher não interferir, transformou sua própria existência em um silêncio eterno. FIM DOS SPOILERS 

O elenco centrado em cinco personagens funciona muito bem. Temos o tenente (David Schütter); motorista (Leonard Kunz); o artilheiro e segundo em comando (Laurence Rupp); o dedicado operador de rádio e usando uma metralhadora (Sebastian Urzendowsky ) ; o jovem carregador de canhão (Yoran Leicher) . Todos confinados e lutando para conter o pânico, obedecendo às ordens na esperança de voltarem para suas vidas simples antes de uma guerra que os cooptou ao caos.

No cômputo final, “O Tanque” posiciona-se menos como um filme de guerra tradicional e mais como um estudo brutal sobre a desumanização no combate moderno, um verdadeiro laboratório de decomposição moral.  Sua premissa inicial, poderá remeter ao filme “O Resgate do Soldado Ryan”, mas o roteiro retira imediatamente o filme do campo do entretenimento militar e o coloca no campo da ética e da filosofia. O filme deixa de ser apenas um drama de combate moderno, e se consolida como um aviso sombrio sobre o peso das escolhas individuais. A obra sobrevive pela sua crueza e pelo incômodo que causa ao lembrar que o mal não reside apenas no ditador que ordena, mas no soldado que assiste. Não é, portanto, um entretenimento para todos os públicos. Seu principal problema talvez resida no fato de que muitos preverão o rumo da história cedo demais, destruindo parte do plot twist final. Infelizmente, há uma onda na indústria do cinema em que os roteiristas e cineastas sentem a necessidade de explicar o final em detalhes, algo que não acontecia com tanta frequência no passado. A indústria passou a explicar demais… ou se adaptou a um novo tipo de espectador?

Trailer:

Curiosidades:

O tanque Tiger apresentado no filme é uma réplica construída em um chassi soviético T-55. Para as filmagens, ele foi equipado com réplicas de rodas entrelaçadas para se assemelhar a um Tiger I, embora o espaçamento entre as rodas ainda revele a suspensão T-55 subjacente. O veículo está baseado no Museu da Linha de Demarcação em Rokycany, República Tcheca.

Historicamente, as equipes de tanques da Wehrmacht usavam jaquetas Panzer pretas adornadas com a insígnia do crânio Totenkopf. O design do crânio usado pela Wehrmacht diferia da versão SS, e o filme retrata com precisão a insígnia no estilo da Wehrmacht, não o design da SS

O diretor Dennis Gansel já dirigiu 11 episódios da série de televisão Das Boot. O filme também emprega uma tensão claustrofóbica prolongada, traduzindo o suspense submarino de Das Boot (O Barco) em um tanque Tiger preso em um ambiente fluvial.

As missas em latim pode ter o significado de uma extrema-unção antecipada.

Os primeiros tanques Tiger I (produzidos entre 1942 e 1943) possuíam uma capacidade rara para a época: o Deep Wading (vau profundo). Diferente de outros tanques que apenas atravessavam rios rasos, o Tiger foi projetado para submergir completamente em águas de até 4 metros de profundidade.

Em termos de poder de destruição, o SU-100 (lançado pelos soviéticos no final de 1944) foi projetado com um único objetivo: destruir a nova geração de tanques pesados alemães (Tiger e Panther). Enquanto o Tiger era um tanque de uso geral (com torre giratória), o SU-100 era um caça-tanques (sem torre, o canhão era fixo no chassi). O canhão de 100mm do soviético era devastador. Ele conseguia perfurar a blindagem frontal do Tiger I a uma distância de até 1.000 metros.

Por não ter torre e ser mais baixo que o Tiger, o SU-100 conseguia se esconder facilmente na vegetação ou na neve (as "estepes" que  mencionei). Ele não foi feito para lutar "limpo". Sua finalidade era esperar o Tiger aparecer e disparar um único tiro que atravessasse a blindagem frontal, geralmente incinerando a tripulação instantaneamente.

Cartaz:

O INTRUSO / THE INTRUDER (1962) - ESTADOS UNIDOS

 

VENDEDOR DE ÓDIO

Adam Cramer (William Shatner) é um homem chegando de ônibus à cidade (fictícia) de Caxton, no Missouri, sul dos Estados Unidos. Vestindo um terno branco impecável e mostrando-se uma pessoa bem articulada, ele se regozija por encontrar um local onde poderá espalhar seu ódio, seu preconceito e sua intolerância contra a integração racial nas escolas. Grande parte não está feliz com a lei, mas aceitam que ela exista. Cramer alega representar uma organização social chamada "Patrick Henry", que contesta a decisão do governo e acredita que os cidadãos bem orientados podem opor resistência. E o modo como Cramer acredita que possa influenciar as pessoas é tudo menos democrático como alardeia. E é através de Verne Shipman (Robert Emhardt), um empresário rico e influente, que Cramer vê a chance de colocar seu nefasto plano em andamento.

Para entendermos o contexto na qual o filme se insere, precisamos entender que a integração foi aprovada em 17 de maio de 1954, quando a Suprema Corte dos EUA decidiu, no caso “Brown v. Board of Education”, que a segregação em escolas públicas era inconstitucional. Essa decisão derrubou a doutrina do "separados, mas iguais" que vinha desde 1896. Notemos a data do filme: 1962. Existe um intervalo de 8 anos entre a lei e a obra dirigida por Corman. O filme se passa justamente no período da "Resistência Massiva". Embora a lei existisse, muitos estados do Sul (como o Missouri, onde o filme foi rodado) se recusavam a cumpri-la ou faziam de tudo para atrasar o processo. E é aí que Adam Cramer se insere: exatamente nesse vácuo entre a lei e a aceitação social. 

Em 1962, Roger Corman abandonou momentaneamente seus monstros ficcionais para realizar um dos filmes americanos mais corajosos e ousados ​​de todos os tempos, entregando em "O Intruso" um estudo cirúrgico sobre a engenharia do ódio. Através da chegada de Adam Cramer, o filme desmascara o demagogo não como um fanático cego, mas como um técnico da manipulação que utiliza a retórica como ferramenta de ascensão. Ao evocar figuras como Sócrates, Hitler e Lênin tenta apresentar uma “genealogia intelectual”: ele possui o verniz dos letrados, a técnica de mobilização das massas e o pragmatismo amoral de quem sacrifica vidas, como a do padre ou a visão do editor local, em nome de uma narrativa de poder. É um vilão moderno, cujo ego inflado é alimentado pela capacidade de transformar o preconceito latente em uma arma política de destruição em massa. Corman resolveu mostrar que monstros podem ser de carne e osso e morarem ao seu lado (como em “Tiros em Ruanda”, na qual o vizinho que você cumprimenta todas as manhãs, sob a influência certa, pode se tornar seu carrasco).

Filmado em um preto e branco pelo talentoso Taylor Byars, a força da obra reside na interpretação de Shatner, que encarna uma serpente de terno e gravata, cuja sedução é proporcional à sua covardia. Bebendo diretamente da fonte de clássicos como "Consciências Mortas", o filme subverte a psicologia das massas ao mostrar que o "linchamento" não precisa de uma “causa justa”, apenas de um catalisador bem articulado. O confronto de Cramer com o personagem de Leo Gordon desmascara essa fragilidade: o demagogo é um parasita que murcha diante da integridade individual, provando que sua força não reside em convicções reais, mas na proteção que a turba lhe oferece. Ele olha para as plantações de algodão não com olhar nostalgico, mas com a frieza de um general que mapeia o combustível necessário para um incêndio social.

O curioso é que o filme, um drama inovador sobre os direitos civis, anos à frente de seu tempo, mas totalmente dentro de sua época, não encontrou ressonância do público em 1962. O filme foi o maior fracasso comercial de Corman, pois não deu lucro. Um dos motivos talvez resida no fato que, na época que o filme foi lançado, a América (principalmente a sulista) não queria abordar o racismo no Sul dos Estados Unidos. Já, "No Calor da Noite"(com Sidnei Poitier), com a temática “racismo sulista”, obteve um enorme sucesso de público apenas cinco anos depois. Quem não se lembra de “Mississipi em Chamas” abordado décadas depois. Só que O Intruso abordou essa temática no “olho do furacão”, época cujos direitos civis ainda gerariam diversas contendas.

Corman usou um artifício interessante para gravar seu projeto: distribuiu uma versão de roteiro suavizada (com outros diálogos), o que trouxe outra percepção aos moradores locais que ele colocou no filme, muitos realmente eram contra a decisão do governo, contra a integração. Quando o conteúdo real do filme foi descoberto, Corman e os envolvidos foram “convidados” a “se retirarem” rapidamente pelas forças policiais, recebendo até ameaças de grupos de ódio. O relançamento, mais de 40 anos depois, no mercado de vídeo doméstico na Inglaterra, trouxe algo inesperado: o investimento no filme foi recuperado. Um tema ainda relevante nos tempos atuais, pois o problema foi parcialmente resolvido, mas não completamente. Considerando o que está acontecendo nos EUA atualmente, este filme (passado na tevê brasileira) apenas reforça a mensagem e a necessidade de sua redescoberta. A destacar a trilha sonora pontuada nos momentos certos de Herman Stein, que não deixa o espectador relaxar, mesmo nas cenas de diálogo. 

As analogias são bem interessantes quando vemos o filme com um olhar mais apurado: Adam Cramer é retratado como um oportunista ideológico. Ele não chega à cidade com armas; ele chega com retórica. Ele não cria o racismo na cidade; ele simplesmente dá permissão para que o preconceito latente dos cidadãos se transforme em ação violenta. O perigo do personagem não está nos gritos, mas no sorriso. Ele é um "vendedor de ódio”. Para Cramer, a verdade não importa; o que importa é a narrativa. Ele sabe que a prisão o transforma em um símbolo.  O tema central pode ser interpretado como a facilidade com que um estranho articulado pode manipular a psicologia das massas; o foco não é o crime em si, mas a velocidade com que a racionalidade humana evapora quando o grupo se torna uma massa uniforme. Podemos até conjecturar se o filme critica os racistas ou critica a incapacidade das "pessoas de bem" em silenciar um demagogo antes que a violência comece? O espancamento de Tom (o editor) seria uma crítica de que a civilização (representada pela imprensa e pela lei) é extremamente frágil diante da força bruta. Quando o editor perde o olho, o filme está dizendo literalmente que a cidade "perdeu a visão" ou a perspectiva. Uma metáfora visual poderosa sobre a cegueira coletiva. Cramer é um homem de palavras. Ele domina quem ele pode seduzir ou intimidar intelectualmente. Quando ele encontra a força física bruta e a convicção moral de Griffin sem uma massa para protegê-lo, ele percebe que não é nada. O final é abrupto porque a vida real estava ameaçando a produção. O ódio que Adam Cramer semeava na tela estava começando a cercar a equipe de filmagem fora dela.  Ele não cita Hitler pelo antissemitismo, mas pela técnica. Ele admira a capacidade de transformar um "zé ninguém" em uma divindade através do palanque; ao citar Aristóteles, ele usa a filosofia clássica para dizer àquela população rural: "Eu sou a elite intelectual que veio validar o preconceito de vocês". Ele dá um ar de "ciência" e "ética" ao que seria apenas barbárie. Quanto a Lênin, seria a aceitação do método: "os fins justificam os meios". Se for preciso explodir uma igreja para manter latente o ódio, ele o fará. No final, podemos conjecturar se o preconceito permanecerá, dormente, esperando o próximo Adam Cramer (ou algo pior) chegar.

O desfecho do filme, muitas vezes criticado como um “deus ex-machina” apressado pelas limitações orçamentárias de Corman, revela, sob um olhar mais atento, uma ironia perversa sobre a natureza humana. Quando a mentira que sustentava a fúria da cidade é desmascarada, a população não passa por uma catarse moral ou um arrependimento genuíno; eles simplesmente se dispersam em um silêncio covarde. A resolução abrupta serve como um espelho da conveniência social: as pessoas preferem fingir que foram "manipuladas" por um estranho do que enfrentar o fato de que as ideias de Cramer ecoavam perfeitamente em seus próprios corações. O palanque vazio onde Adam termina sozinho não simboliza a vitória da justiça, mas a solidão momentânea de um método que, em breve, poderá encontrar novos ouvidos em uma outra cidade, por exemplo. E o pior: em 1962, Cramer precisava de um ônibus e um terno; hoje, ele precisaria apenas de um algoritmo e um perfil verificado.

Quanto ao elenco, Shatner tinha 31 anos quando o filme estreou e já tinha trabalhos no cinema: "Os Irmãos Karamazov", "O Julgamento de Nuremberg" e "Geração Violenta", além de trabalhos na tevê e teatro. Sua atuação visceral deu uma força ao roteiro de Charles Beaumont, (cujo livro foi escrito e publicado em 1958. Beaumont escreveu também vários episódios do seriado “Além da Imaginação” / Twilight Zone) interpretando um personagem oportunista (um “forasteiro profissional’), inflamando o ódio e o ressentimento que já existiam naquela cidade, naquele Estado (não por acaso em um terno branco , cor da pureza, enquanto semeia a escuridão). Ironicamente, Shatner participou do primeiro beijo inter-racial da televisão aberta americana, quando beijou a Tenente Uhura em "Jornada nas Estrelas" no episódio “Os Senhores de Triskelion”. Assim como é irônico também seu personagem acusar Sam Griffin (Leo Gordon) de beijar uma afrodescendente já no final do filme. E, continuando com as ironias, vemos uma inversão de papéis entre o quase sempre mocinho Shatner e o quase sempre vilão Leo Gordon. O bom elenco deu o suporte que o filme necessitava e o uso de atores não profissionais (moradores locais desavisados misturados nas cenas) deu um ar de autenticidade a esse filme independente realizado por Corman. Beaumont fez uma participação especial interpretando o Sr. Paton (ele faleceria seis anos depois). Tom McDaniel (Frank Maxwell) interpretou o editor do jornal local, que se opõe à integração, lutando contra o movimento com inúmeros artigos. Ele não gosta da nova lei, mas não quer que sua filha adolescente seja exposta a esse tipo de ódio que Cramer começa a espalhar freneticamente a quem lhe dê ouvidos. E isso lhe custará caro. Charles Brown interpretou Joey é um dos estudantes afrodescendentes que se mostra determinado a frequentar o ensino médio, mesmo diante dos protestos contundentes dos que ali vivem. 

O Intruso se recusa a oferecer a redenção fácil que o público de drive-in da época poderia esperar, deixando as cicatrizes da violência expostas e sem cura. O editor continua cego e o racismo estrutural permanece intacto sob o tapete de uma suposta normalidade retomada pela cidade. Ao contrário de uma tragédia grega, onde o erro leva ao aprendizado, aqui o erro leva apenas ao constrangimento, sugerindo que o mal é cíclico e aguarda apenas o próximo "Adam" para despertar. É uma obra que sobrevive ao tempo por sua crueza independente, lembrando-nos de que, embora os manipuladores possam ser desmascarados, ainda há terrenos férteis para a ignorância e para o preconceito que raramente são arados.

Trailer:

Curiosidades:

Até a data desta postagem, dsiponivel no YouTube com legendas automáticas

Beverly Lunsford (1945-2019) que interpretou Ella, a filha do editor, participou de algumas séries de tevê . Sua carreira nos cinemas terminou em 1969. faleceu aos 74 anos de causas não reveladas

Robert Emhardt (1914-1994) faleceu de falência cardíaca aos 80 anos

Leo Gordon (1922-2000) faleceu de falência cardíaca aos 78 anos

Jeanne Cooper (1928-2013) faleceu aos 84 anos em decorrência de problemas pulmonares . Participou de diversos seriados ao longo da carreira

Depois que a equipe de filmagem foi expulsa de East Prairie, Missouri, pelo chefe de polícia da cidade (supostamente por serem "comunistas"), o produtor/diretor do filme, Roger Corman , percebeu que precisava de mais uma tomada panorâmica da escola. Ele e um assistente voltaram à cidade e filmaram a cena às pressas. O chefe de polícia, de alguma forma, deve ter descoberto a presença dos dois, pois Corman o viu dirigindo ao longe. Corman e seu assistente jogaram rapidamente a câmera e os equipamentos no carro e partiram na direção oposta, ilesos.

Em seu livro "Boldly Go" (2022), William Shatner relata que moradores locais foram contratados como figurantes durante a filmagem do discurso racista de Adam Cramer nos degraus do tribunal. Como Shatner havia gritado bastante no dia anterior, precisou poupar a voz durante a maior parte das filmagens. O produtor e diretor Roger Corman instruiu-o a mímica do discurso enquanto orientava a plateia sobre como reagir, filmando por cima do ombro de Shatner. Ao final do dia, a voz de Shatner havia se recuperado o suficiente para que ele interpretasse o discurso em seus closes. A essa altura, a maioria dos figurantes já havia deixado o set por conta própria. No dia seguinte, um jornalista local abordou Corman e Shatner e disse-lhes que haviam sido espertos em não recitar o diálogo do discurso diante da plateia. Ele explicou-lhes que uma árvore no pátio do tribunal havia sido usada para linchamentos pelo menos 20 anos antes, e que alguns dos figurantes na multidão haviam participado desses linchamentos. Se tivessem ouvido o discurso, não se sabia como teriam reagido.

O filme foi inteiramente rodado em locações no sudeste do Missouri, com moradores locais atuando como figurantes. Sabendo o quão incendiário era o roteiro, o produtor/diretor, Roger Corman , fez questão de não mostrá-lo na íntegra para eles, por medo de ser expulso da cidade à força.

William Shatner afirmou que, durante a produção deste filme, tanto a vida do elenco quanto da equipe de filmagem foram ameaçadas, os equipamentos foram sabotados e a permissão para filmar no pátio de uma escola local foi revogada.

O filme estreou em Londres, Inglaterra, na semana do assassinato do presidente John F. Kennedy, com o título "The Stranger". Foi então relançado nos EUA com o título "Shame" e, posteriormente, relançado novamente nos EUA com outro título, "I Hate Your Guts!".

O produtor/diretor do filme, Roger Corman , disse que ele mudou muito sua visão sobre cinema. O filme foi exibido em festivais e recebeu ótimas críticas, mas foi o primeiro filme que ele fez a dar prejuízo. Depois de analisar o motivo, ele percebeu que a lição que tentava transmitir ao público era excessiva. A partir daquele momento, ele se concentrou mais em entreter o público. Ele disse que sempre tentou inserir uma moral em seus filmes depois disso, mas de forma sutil, sem martelá-la na cabeça do público, porque esse não era o motivo pelo qual as pessoas iam ao cinema.

Filmado com um orçamento de US$ 100.000,00 em locações em Charleston, Missouri.

Cartaz:

Filmografias Parciais:

William Shatner

Os Irmãos Karamazov (1958); Julgamento em Nuremberg (1961); Geração em Conflito / Geração Violenta (1961); O Intruso (1962);  Alexandre, O Grande (1963); As Quatro Confições (1964); Incubus (1966); O Ódio é Minha Lei (1968); Jornada nas Estrelas (seriado 1966-1969); O Único Sobrevivente (1970); O Cão do Inferno (1971): Incidente em um Rua Escura (1972) Batismo de Fogo (1974); A Mulher da Metralhadora / Grande Mamãe (1974); Acusado e Condenado / Indiciado e Condenado (1974); Suprema Decisão (1975); A Chuva do Diabo (1975); A Costa de São Francisco (1975); A Maldição das Aranhas (1977); Jornada nas Estrelas: O Filme (1979); Horário de Visitas (1982); Jornada nas Estrelas II - A Ira de Khan (1982); Jornada nas Estrelas III - À Procura de Spock (1984); Confissões de um Homem Casado (1984); Jornada nas Estrelas IV - A Volta para Casa (1986); Carro Comando (seriado 1982-1986); Jornada nas Estrelas V - A Última Fronteira (1989); Jornada nas Estrelas VI - A Terra Desconhecida (1991); Máquina Quase Mortífera (1993); Jornada nas Estrelas: Generations (1994); Miss Simpatia (2000); American Psycho II: All American Girl (2002); Miss Simpatia 2: Armada e Poderosa (2005); Everest: Um Desafio à Vida ( Minissérie 2007);  Justiça Sem Limites (seriado 2004-2008);  $#*! My Dad Says (seriado 2010-2011);  Horrorween (2011); A Christmas Horror Story (2015); Baby, Baby, Baby (2015); Bem a Tempo Para o Natal  (2015); Área 15 (2016);  Inseparáveis (2016); Creators: The Past (2019); Devil's Revenge (2019) Acelerando Para o Amor (2021);

Leo Gordon (1922- 2000)

Átila, o Rei dos Hunos (1954); Sangue de Bárbaros (1956); O Homem Que Sabia Demais (1956); Tarzan Vai à Índia (1962); O Intruso (1962); Quando um Homem É Homem (1963); Os Reis do Sol (1963); Beau Geste (1966); Alienator - A Exterminadora Indestrutível (1990); Maverick (1994).

Charles Barnes (1924-2005)

O Intruso (1962), Ídolo Dourado (1951), Papai Foi um Craque (1949)

Robert Emhardt (1914-1994)

Vingança Forçada (1982),  O Instituto da Vingança (1979), Aconteceu no Natal (1977), Alex e a Cigana (1976). Nasce um Monstro (1974), Jogo Sujo (1973), Mato em Nome da Lei (1971), Vamos Fazer a Guerra? (1970), Ele e as Três Noviças (1969), Rascal, o Amiguinho Travesso (1969), Onde Estavas Quando as Luzes Se Apagaram? (1968), Gatilhos do Ódio (1967), O Canhoneiro do Yang-Tsé (1966), Talhado para Campeão (1962), O Intruso (1962), A Lei dos Marginais (1961), Quartel não é Hotel (1960), Homens das Terras Bravas (1958). Galante e Sanguinário (1957), A Grande Chantagem (1955), Nenhuma Mulher Vale Tanto (1952)

Jeanne Cooper (1928-2013)

A Rainha dos Renegados (1953), O Vale do Medo (1953), O Salário do Pecado (1955), Bandoleiros de Houston (1956), Os Salteadores de Estradas (1957), A Loucura de Mimi (1958), Algemas Partidas (1960), Clamor de Vingança (1962), Prisão de Mulheres (1962), O Intruso (1962),  Feras Sanguinárias (1963), Assim Morrem os Bravos (1965), O Homem Que Odiava as Mulheres (1968), Ninho de Cobras (1970), Brutal Beleza (1972), Doce Refém (1975), Encontro com a Morte (1993), O Sequestro (2002), Ouro Negro (2003)

OBSESSÃO DE MATAR / WAR HUNT (1962) - ESTADOS UNIDOS

 O PREÇO DA VIOLÊNCIA LEGITIMADA

Obsessão de Matar (1962), dirigido por Denis Sanders, ambientado na Guerra da Coreia, três semanas antes do armistício entre os coreanos do Norte e as forças das Nações Unidas, é um filme que acompanha o jovem recruta Roy Loomis (Robert Redford) e sua convivência com o perturbador soldado Raymond Endore (John Saxon), cuja conduta revela um lado ritualístico e inquietante da violência com a aquiescência do comando militar. Temendo que uma morte após o armistício comprometa as negociações de paz, o Capitão Pratt (Charles Aidman) precisa frear Endore em seus impulsos homicidas.

Trata-se de um filme de guerra que se destaca por romper com os padrões do gênero. Em vez de glorificar batalhas ou exaltar atos heroicos, a obra mergulha na psicologia de seus personagens, expondo os efeitos corrosivos do conflito sobre o indivíduo e as relações humanas. A narrativa se estrutura a partir do contraste entre os dois personagens: Loomis que representa a tentativa de preservar valores éticos em meio ao caos, enquanto Endore encarna a desumanização extrema. Ele realiza patrulhas noturnas solitárias, trazendo informações úteis para o capitão Pratt, mas sua real motivação é assassinar inimigos com seu punhal em incursões quase místicas. Essa duplicidade gera uma tensão constante, pois o exército se beneficia dos resultados práticos de suas ações, ao mesmo tempo em que ignora a instabilidade psicológica que as sustenta.

O filme evita grandes cenas de batalha e aposta em diálogos contidos, silêncios, gestos mínimos e em um elenco afinado. Essa escolha estética reforça a ideia de que a guerra não se manifesta apenas por meio de tiros e explosões, mas também através de atmosferas opressivas, desconfiança permanente e da lenta erosão da moral. A fotografia de Ted McCord (A Noviça Rebelde) contribuiu decisivamente para esse clima, utilizando sombras e enquadramentos sugestivos que insinuam mais do que explicitam.

Um detalhe particularmente perturbador está na origem de Charlie (Tommy Matsuda), o menino que acompanha Endore. Ele é norte-coreano e, portanto, tecnicamente parte do “lado inimigo” do conflito. Em determinado momento, chega a dizer a Loomis que os americanos mataram seu povo com “jet fire bomb”, referência direta ao uso de napalm. Essa informação, lançada quase casualmente, desloca o eixo moral do filme: a criança que caminha ao lado dos soldados americanos é também vítima direta da violência exercida por eles. Ainda assim, Charlie passa a assimilar gestos, comportamentos e valores do pelotão, numa relação que sugere menos proteção do que assimilação forçada. A guerra, aqui, não apenas mata; ela reprograma, convertendo vítimas em seguidores silenciosos do mesmo sistema que as destruiu. Ver Loomis e Endore disputando a “alma do menino” torna esse conflito moral um dos momentos mais marcantes do filme.

Um dos aspectos mais relevantes de Obsessão de Matar é a forma como antecipa discussões sobre o impacto psicológico da guerra. Endore não surge apenas como um desvio individual, mas como produto de um sistema que normaliza a violência e a transforma em rotina. O roteiro sugere que a própria estrutura militar, ao tolerar esse comportamento em nome da eficácia, torna-se cúmplice. Loomis funciona como contraponto moral, mas sua juventude e inexperiência o tornam frágil diante da brutalidade institucionalizada.

O filme também possui importância histórica ao marcar o início da carreira de Robert Redford e a estreia de Sydney Pollack como ator, que mais tarde se tornaria um dos grandes diretores do cinema americano. Produzido com orçamento modesto, estimado em cerca de 250 mil dólares, o filme foi rodado em apenas 15 dias, com muitas cenas noturnas impostas por limitações financeiras.

Mais próximo de um estudo de personagens do que de um filme de guerra tradicional, sua força está em expor a linha tênue entre disciplina militar e psicopatia, questionando até que ponto comportamentos extremos são aceitos quando geram resultados. O desfecho, sem grandes reviravoltas, mas reflexivo, reforça a ideia de que a guerra não cria heróis, apenas sobreviventes marcados por cicatrizes invisíveis.

Embora hoje seja pouco lembrado, o filme foi reconhecido em sua época, sendo incluído pelo “National Board of Review” entre os dez melhores de 1962. Essa recepção evidencia que, mesmo sem grande apelo comercial, sua abordagem crítica encontrou ressonância em um público disposto a refletir sobre os limites da violência legitimada.

Em síntese, Obsessão de Matar é uma obra de impacto anti-belicista que merece ser revisitada. Com narrativa contida, atuações intensas e olhar profundamente crítico sobre o sistema militar, o filme transcende o gênero e permanece atual ao revelar como a guerra molda e distorce indivíduos, e até crianças, deixando marcas que persistem muito além do campo de batalha.

 

Curiosidades:
O filme foi lançado em nossos cinemas em 1963 e em 1972 já constava da programação televisiva

O filme foi realizado pelos irmãos Terry (produtor) e Dennis Sanders (diretor)

Pollack e Redford iniciaram uma amizade que os levou a colaborar em sete filmes dirigidos por Pollack.

Tommy Matsuda realizou apenas esse filme

Gavin MacLeod (1931-2021) se tornou conhecido pelos seriados Mary Tyler Moore (1970–1977) e O Barco do Amor / The Love Boat (1977–1987). Faleceu aos 90 anos de causas não reveladas

John Saxon faleceu aos 83 anos de Pneumonia

Robert Redford faleceu aos 89 anos de causas não reveladas. Além de uma das carreiras mais sólidas do cinema americano, deixou como legado o “Sundance Institute”, fundamental para o cinema independente.

Francis Ford Coppola surge em uma ponta como o motorista do caminhão do exército

Sydney Pollack (1934-2008) ganhou 3 Oscars: Tootsie (1983) – diretor e Entre Dois Amores (1986) – Diretor e Filme. Faleceu de Câncer aos 73 anos

O diretor Denis Sanders (1929–1987), faleceu aos 58 anos de ataque cardíaco

Nancy Hsueh que interpretou Mama San faleceu aos 39 anos de arteriosclerose

Estreias no cinema de Robert Redford , Tom Skerritt e Sydney Pollack . Trinta anos depois, Redford dirigiu Skerritt em Nada é para Sempre (1992) .

Após a realização deste filme, Sydney Pollack dedicou-se à sua carreira de diretor. Ele faria sua estreia em longas-metragens três anos depois com Uma Vida em Suspense (1965) . Pollack não voltaria a atuar em um longa-metragem até uma participação especial não creditada em seu próprio filme, O Cavaleiro Elétrico (1979) . Três anos depois, ele reacendeu sua carreira de ator com um papel bem recebido em Tootsie (1982).

O produtor Terry Sanders enviou o roteiro ao Pentágono na esperança de que eles fornecessem algum auxílio com equipamentos. O Exército se opôs a muitas partes do roteiro, incluindo um soldado raso que se torna um assassino profissional independente com a aprovação de seu comandante, um capitão que chama um sargento de idiota e várias outras cenas que os militares consideraram muito grotescas e de mau gosto.

O filme se passa entre maio e 28 de julho de 1953.

Três dos atores do filme dirigiram posteriormente filmes que ganharam o Oscar® de Melhor Filme: Francis Ford Coppola (Motorista de Caminhão do Exército) dirigiu O Poderoso Chefão (1972) e O Poderoso Chefão: Parte II (1974) ; Robert Redford (Soldado Roy Loomis) dirigiu Gente como a Gente (1980) ; e Sydney Pollack (Sargento Owen Van Horn) dirigiu Entre Dois Amores (1985) . Com exceção de Coppola, que ganhou o Oscar® por O Poderoso Chefão (1972) , os três também ganharam o Oscar® de Melhor Diretor pelos respectivos filmes.

O personagem principal, o soldado Raymond Endore ( John Saxon ), teria chegado à Coreia em julho de 1952, cerca de um ano antes dos eventos retratados.

Primeiro de dois filmes estrelados por Tom Skerritt , nos quais ele interpretou um soldado americano na Guerra da Coreia; o outro foi M*A*S*H (1970) .

O ator Anthony Ray seria posteriormente indicado ao Oscar®, mas não como ator. Ele recebeu sua indicação por produzir o filme Uma Mulher Descasada (1978) , indicado a Melhor Filme e dirigido por Paul Mazursky .

Após esse filme, Sydney Pollack dirigiu sete filmes esrelados por Robert Redford: Esta Mulher é Proibida (1966), Mais Forte que a Vingança (1972), Nosso Amor de Ontem (1973), Três Dias do Condor (1975), O Cavaleiro Elétrico (1979), Entre Dois Amores (1985), and Havana (1990).

"MLR" refere-se à Linha Principal de Resistência, uma área de importância crítica no posicionamento de defesa do Exército.

"DSC" refere-se à Cruz de Serviço Distinto, concedida por heroísmo extraordinário em combate. É a segunda maior condecoração militar do Exército, atrás da Medalha de Honra.

 

Cartaz: 

 

Filmografias Parciais:

John Saxon (1936-2020)

O Passado Não Perdoa (1960); Quadrilha do Inferno (1961); As Férias de Papai (1962); Obsessão de Matar (1962);Olhos Diabólicos (1963); 100.000 Dólares ou a Morte / Pânico no Voo 6 (1966); Operação Dragão (1973); Crime na Praia (1973); Noite do Terror (1974); O Império do Crime (1976); Shalimar (1978);  O Cavaleiro Elétrico (1979); Mercenários das Galáxias (1980); O Homem com a Lente Mortal (1982); A Hora do Pesadelo (1984); Keruak, O Exterminador de Aço (1986); A Hora do Pesadelo 3: Os Guerreiros dos Sonhos (1987); O Último Samurai (1988); Um Amor do Futuro (1980); Linha de Chegada (1990); Fúria Assassina (1993); Um Tira da Pesada 3 (1994); O Novo Pesadelo: O Retorno de Freddy Krueger (1995); Um Drink no Inferno (1996); Revanche Sangrenta (2001); Genghis Khan (2010); After the Thunderstorm (2018) 

 

Robert Redford (1936-2025)

Até os Fortes Vacilam (1960), The Iceman Cometh (1960), Obsessão de Matar (1962), Situação Crítica Porém Jeitosa (1965), Caçada Humana (1966), À Procura do Destino (1965), Esta Mulher é Proibida (1966), Descalços no Parque (1967), Butch Cassidy (1969), Os Amantes do Perigo (1969), Willie Boy (1969), As Máquinas Quentes (1970), Os Quatro Picaretas (1972), Mais Forte que a Vingança (1972), Nosso Amor de Ontem (1973),  Golpe de Mestre (1973), O Grande Gatsby (1974), Quando as Águias se Encontram (1975), Três Dias do Condor (1975), Todos os Homens do Presidente (1976), Uma Ponte Longe Demais (1977), O Cavaleiro Elétrico (1979), Brubaker (1980), Um Homem Fora de Série (1984), Entre Dois Amores (1985), Perigosamente Juntos (1986), Havana (1990), Quebra de Sigilo (1992), Nada é para Sempre (1992), Proposta Indecente (1993), Íntimo & Pessoal (1996), O Encantador de Cavalos (1998), A Última Fortaleza (2001), Jogo de Espiões (2001), Refém de uma Vida (2004), Um Lugar Para Recomeçar (2005), Leões e Cordeiros (2007), Sem Proteção (2012), Até o Fim (2013), Capitão América: O Soldado Invernal (2014), Por Aqui e Por Ali (2015), Conspiração e Poder (2015), A Descoberta (2017), Nossas Noites (2017), O Velho e a Arma (2018), A Magia de Acreditar (2018), Vingadores: Ultimato (2019) 

 

Tom Skerritt

Obsessão de Matar (1962); M*A*S*H  (1970); Ensina-me a Viver  (1971); Alien, o 8º Passageiro  (1979); Na Hora da Zona Morta  (1983); Top Gun - Ases Indomáveis (1986); Onze para o Inferno (1986); A Cidade do Jogo (1987); Poltergeist III - O Capítulo Final (1988); Flores de Aço (1989); A Corrida da Vingança (1989); Face a Face Com o Inimigo (1992); Contato (1997); A Vingança de um Pistoleiro (2000); Lágrimas do Sol (2003); Terror na Antártica (2009); Ted (2012); Um Novo Amor (2013); Negócio das Arábias (2016), Ao Leste das Montanhas (2021), Pegue a Bala (2021)

Gavin MacLeod (1931-2021)

Quero Viver! (1958), Estranha Obsessão (1959), Os Bravos Morrem de Pé (1959), Anáguas a Bordo (1959), O Rei do Ritmo (1959), Dizem que é Amor (1960), Volantes Audazes (1961), Obsessão de Matar (1962), Marujos do Barulho (1965), A Espada de Ali Babá (1965), Os Marujos... na Força Aérea (1965), O Canhoneiro do Yang-Tsé (1966), Oferece-se Pistoleiro (1968), Um Convidado Bem Trapalhão (1968), O Ataque dos Mil Aviões (1969), Glória e Lágrimas de um Cômico (1969), Os Guerreiros Pilantras (1970), Mary Tyler Moore (1970–1977), Um Crime de Amargar (1980), O Barco do Amor (1977–1987), Intercâmbio de Alunos (1987), O Barco do Amor: O Dia dos Namorados (1990), A Jornada: Uma Viagem pelo Tempo (2002), Caindo Fora (2005) 

 

Sydney Pollack (1934-2008)

Now Is Tomorrow (1958), Obsessão de Matar (1962), O Cavaleiro Elétrico (1979), Tootsie (1982), O Jogador (1992), A Morte Lhe Cai Bem (1992), Maridos e Esposas (1992), A Qualquer Preço (1998), De Olhos Bem Fechados (1999), Destinos Cruzados (1999), Fora de Controle (2002), A Intérprete (2005), Um Lugar na Platéia (2006), Conduta de Risco (2007), O Melhor Amigo da Noiva (2008)

 

Nancy Hsueh (1941-1980)

Tormenta na China (1945), Nas Garras da Intriga (1947), Flor de Lotus (1961), Obsessão de Matar (1962), Crepúsculo de Uma Raça (1964), O Fantástico Robin Crusoé (1966), Doutor, O Sr. Está Brincando! (1967), Na Mira da Morte (1968), Um Viúvo Trapalhão (1978)